Del 25 de febrero al 10 de marzo
Blow-Up. Filmes clásicos y fotografía de Antonioni
«Una verdad que es solamente mi verdad, entonces no es la verdad». Con esta frase de Julio Cortázar abre la nota de prensa de la exposición de Antonioni en C/O. Y es que la película, Blow-Up (1966) realizada por Antonioni, es una adaptación libre del cuento de Cortázar Las babas del diablo (1959) al que pertenece dicha frase.
Antonioni, en su filme, se centra fundamentalmente en algunas problemáticas planteadas por el texto que no son argumentales, como la ineludible presencia de un punto de vista al momento de narrar; la referencialidad y la autorreferencialidad en la literatura, la fotografía y el cine, estos dos últimos además como modos de representación mecánica de simultaneidad; la verdad en la representación y la responsabilidad frente a lo mostrado y de cómo toda percepción es totalmente subjetiva y dependiente de la interpretación del individuo.
A pesar de que la cinta tiene casi cincuenta años, refleja a la perfección el mundo actual controlado por los medios y la distribución digital; sus observaciones sobre la percepción humana y su relación con la realidad parecen tan mordaces hoy como lo fueron hace casi medio siglo.
En Blow-Up, Antonioni hizo uso intensivo de referencias, citas, símbolos, composición y alusiones transversales a las interacciones entre cine, arte y sociedad de la época. La exposición –que ha sido organizada por C/O en colaboración con el Albertina de Viena y el Foto Museo Winterthur– viajará por el planeta, siendo C/O su única parada en Alemania. La muestra incluye 250 fotografías y clips de Blow-Up, así como instalaciones complementarias de artistas tan importantes como D. Bailey, Ron Galella, Hamilton, J. Hilliard, Sugimoto o Arthur Evans entre otros.
Hasta el 10 de abril
C/O Berlin Amerika Haus. Hardenbergstr. 22–24Five easy pieces and some words of wisdom de Eli Cortiñas
Segunda exposición individual de la canaria Eli Cortiñas en Soy Capitán, presentando su nuevo trabajo en vídeo Quella Che Cammina (La que camina) realizado en Roma durante su residencia en Villa Massimo en 2014.
El personaje central de esta pieza es la figura de una prostituta romana entrada en años –tomado de Amore che si paga del cineasta italiano Carlo Lizzani realizada en 1953 bajo los cánones del neorrealismo–, pero además, a diferencia de las piezas anteriores, el vídeo contiene material que ella misma ha filmado en su estudio romano y también en exteriores. Con voces en off en italiano, francés y español, se lleva a cabo un monólogo interior (a veces diálogo) que gira en torno al deseo de satisfacer las libertades personales versus las convenciones impuestas por la sociedad.
Las diferentes lenguas utilizadas responden a las respectivas lenguas de las protagonistas individuales (entre las que aparece la voz de su propia madre) de cuyas voces se apropia, disecciona y reproduce en la obra, otro de los elementos que caracterizan y hacen reconocible la obra de Cortiñas.
Hasta el 11 de abril
Soy Capitán Prinzessinnenstr. 29Grupo de lectura sobre Hannah Arendt
ZK/U Zentrum für Kunst und Urbanistik
Cada sábado de 12-15 horas y hasta el 2 de mayo, «El grupo de trabajo Hannah Arendt» propone una lectura colectiva, libre y abierta a todos los miembros del público presente en ZK/U, dedicada a analizar las obras de Arendt, una de las pensadoras más importantes del siglo XX. The Hannah Arendt Working Group (fundado a mediados de los noventa en Los Ángeles y liderado por el escritor, profesor, editor y activista Fred Dewey) tiene como propósito explorar el enfoque y método únicos de Arendt. En sus reuniones en Berlín (que se suceden desde 2010) estudian las relaciones de Arendt con Walter Benjamin y Karl Jaspers.
Hannah Arendt fue una judía alemana que vivió en Berlín antes de huir a París, Marsella y luego a los Estados Unidos. Arendt dedicó su vida a temas como la libertad y la felicidad pública, el lenguaje, la capacidad de actuar, de pensar y de juzgar, el significado de los derechos fundamentales, la revolución, la cultura y la república y cómo estos chocan sin precedentes con la política contemporánea, la historia, la dominación total y la presencia de la banalidad del mal, con el poder para empezar de nuevo y con asegurar un espacio de aparición; temas totalmente en vigencia en nuestros días con protagonistas diferentes a los del tiempo de la pensadora, analizados por expertos.
Hasta el 2 de mayo
ZK/U Zentrum für Kunst und Urbanistik Siemensstr. 27State of conservation de Tobias Sjöberg
Grimmuseum presenta Estado de conservación, una exposición individual del artista sueco Tobias Sjöberg que toma el título de la definición de los monumentos o lugares catalogados por la Unesco como patrimonio mundial de la humanidad y su susodicho “estado de conservación”. Siendo este el punto de partida, las obras de la muestra giran en torno a las nociones de conservadurismo, cultura, patrimonio y civilización. El artista explora los mecanismos de acción y repetición como medio tanto para ser parte de algo más grande fuera de uno mismo, un «nosotros» como sistema unificado, como para abordar un nivel puramente personal, de perderse en un acto de autoencantamiento interior.
Entre las piezas expuestas destacan una serie de pinturas de gran formato y colocadas en el suelo, tituladas Mamma och Pappa (Mamá y papá), piezas creadas directamente con las manos y los dedos, donde el artista ha realizado los patrones representados sin mediciones, simplemente basándose en la estimación visual. La instalación Bön (Oración) consiste en bolas de chicle pintadas a mano, algunas ensartadas en un hilo en forma de collar. Los collares, que se asemejan a una especie de rosario, se usaron en una performance donde también se trabaja un patrón, en este caso de unificación de movimientos ejecutados por Sjöberg y un grupo de padres novatos con sus bebés.
Hasta el 29 de marzo
Grimmuseum Fichtestr. 2Who’s Afraid? de Mikala Hyldig Dal
¿Quién tiene miedo? es la primera exposición individual de la artista danesa Mikala Hyldig Dal que cuenta con obras de vídeo performativas creadas en los dos últimos años sobre la iconoclastia contemporánea como acto sociopolítico de comunicación. Algunas de las piezas también aplican un enfoque subjetivo sobre el tema de «matar imágenes y borrar identidades», conectando los procesos iconoclastas con prácticas BDSM en una interpretación personal de la artista.
En sus obras, Hyldig Dal establece una relación entre la decapitación simbólica histórica de imágenes religiosas (en el islámismo medieval las imágenes ofensivas no se destruían sino que eran asesinadas simbólicamente marcándolas con una línea alrededor del cuello; esto eliminaba todo el poder de culto y de magia religiosa) y los vídeos de decapitación de ISIS (Islamic State) que presentan un corte literal en el cuello y que resuenan dentro de este contexto histórico.
Volviendo al BDSM que representa en sus trabajos en paralelo a la violencia pública, Hyldig Dal explora el choque entre el trauma y la estetización en el mismo momento de su formación. En la tensión entre dolor/violencia y poder/dominación, los trabajos examinan el actual Estado Islámico en el contexto de la propaganda visual que tanto genera como destruye imágenes.
Hasta el 27 de febrero, clausura a las 19h con performance de la artista
Antiguo LEAP Leipzigerstr. 63María Muñoz para Berlín Amateurs © Tipps Arte – febrero 2015
Todas las imágenes cortesía de las galerías, organizaciones y/o instituciones vía sus páginas Web excepto State of conservation de Tobias Sjöberg en Grimmuseum, fotos María Muñoz. Ver descripciones de las fotos
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